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Beaux Livres tendances
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L'histoire de la couleur bleue dans les sociétés européennes est celle d'un complet renversement : pour les Grecs et les Romains, cette couleur compte peu et est même désagréable à l'oeil ; c'est une couleur barbare. Or aujourd'hui, partout en Europe, le bleu est de très loin la couleur préférée (devant le vert et le rouge).
Michel Pastoureau raconte l'histoire de ce renversement, mettant l'accent sur les pratiques sociale de la couleur (lexiques, étoffes et vêtements, vie quotidienne, symboles) et sur sa place dans la création littéraire et artistique. Il montre d'abord le désintérêt pour le bleu dans les sociétés antiques, puis suit la montée et la valorisation progressives des tons bleus tout au long du Moyen Âge et de l'époque moderne. Enfin, il met en valeur le triomphe du bleu à l'époque contemporaine, dresse un bilan de ses emplois et significations et s'interroge sur son avenir. -
Coffret histoire d'une couleur : bleu, noir, vert, rouge, jaune
Michel Pastoureau
- Points
- Points Histoire
- 3 Novembre 2023
- 3701580713157
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Bleu ; histoire d'une couleur
Michel Pastoureau
- Points
- Points Histoire
- 5 Novembre 2020
- 9782757887042
Ciel, indigo, azur, lapis-lazuli, océan, préférence, paix, blues.
Des origines à nos jours, une histoire de la couleur bleue racontée par l'historien Michel Pastoureau.
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« Le photographe George Byrne, qui vit à Los Angeles, nous révèle son étonnante série photographique Surréalité, depuis ses paysages urbains abandonnés jusqu'aux magnifiques, emblématiques photos-collages. » Martha Kirszenbaum « J'ai toujours été intéressé par la photographie urbaine, mais c'est à Los Angeles, quand j'ai commencé à photographier en couleur et à expérimenter la manipulation et l'assemblage que j'ai senti que j'étais capable de faire quelque chose de très expressif ou d'original avec elle. Les images que je réalise, bien que basées sur la réalité, en sont en même temps très éloignées. Ce sont des paysages rêvés ». George Byrne
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Picasso, dessiner à l'infini
Anne Lemonnier, Johan Popelard
- Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 11 Octobre 2023
- 9782844269591
À l'occasion de la célébration des 50 ans de la mort de Pablo Picasso, l'exposition « Picasso, 2023 dessins », organisée par le Centre Pompidou, mettra en lumière la part la plus foisonnante de sa création à travers la présentation de plus de 2000 dessins et gravures.
Depuis les études de jeunesse jusqu'aux oeuvres ultimes, le dessin est le lieu, pour Picasso, d'une invention toujours renouvelée autour des puissances du trait, allant de la ligne serpentine au dessin hachuré et aux compositions proliférantes, des nuances délicates du pastel aux noirs profonds de l'encre. Cette traversée de l'oeuvre graphique, sorte de journal intime tenu compulsivement, dont les carnets sont les exemples les plus précieux, offrira une immersion au coeur du travail du dessinateur.
L'exposition mettra en avant l'extraordinaire collection du Musée national Picasso-Paris, issue des ateliers de l'artiste et conservée par lui jusqu'à sa mort. Le parcours proposé, non linéaire, bousculant la stricte chronologie, permettra de créer des échos entre différentes périodes, et mettra en regard des chefs-d'oeuvre reconnus et des dessins présentés pour la première fois. -
La correspondance de Vincent van Gogh ne laisse aucun doute : dès 1873, il a vingt ans, le portrait le fascine. Avant même qu'il ne prenne la décision de devenir peintre, ses nombreuses visites des musées, aux Pays-Bas, en Angleterre, ou encore à Paris, l'ont convaincu de l'importance du portrait, qu'il soit peint ou photographique. Peindre des portraits afin de se mesurer à ses pères deviendra donc le plus grand défi qu'il lui faudra relever. Mais si Rembrandt a peint pour les bourgeois d'Amsterdam, et si, au XIXe siècle, le portrait continue de rester l'affaire de personnages « distingués », Vincent ne prend pour modèles que des hommes et des femmes anonymes qui appartiennent à ce qu'il dit être le tiers état, des hommes et des femmes dont personne ne s'est jamais soucié de savoir qui ils étaient.
Dans cet ouvrage, Pascal Bonafoux met en évidence cette longue, patiente, difficile et obstinée quête artistique, à travers les lieux où Vincent a séjourné, depuis la noirceur du nord de l'Europe, en passant par la lumière éclatante d'Arles, jusqu'à sa destination finale, à Auvers-sur-Oise. Il redonne ainsi vie à l'un des plus grands artistes de tous les temps. -
Marc Chagall (1887-1985), au fil d'une vie traversée par deux guerres et un exil, est à l'origine d'une oeuvre puissamment ancrée dans l'histoire du XX? siècle. Figure emblématique du déplacement et de la migration, l'artiste sillonne le monde au gré des tourments du siècle, de l'Empire russe à la France, de l'Allemagne à la Palestine, des États-Unis au Mexique et, enfin, en Méditerranée. Son art, empreint d'un profond humanisme et d'une forte conscience politique nourris par ses racines juives et par la pluralité des cultures découvertes, se fait le messager d'un engagement sans faille pour l'homme et ses droits, pour l'égalité et la tolérance entre les êtres. Porté par un grand cri de liberté, il confronte l'oeil aux guerres et aux combats artistiques, transcendés par la force poétique et l'imaginaire, le pouvoir de la dérision et de l'humour. Crayon et pinceau deviennent ainsi des armes de paix, révélant l'idéalisme sans condition du «peintre témoin de son temps», sa foi inébranlable en l'harmonie et la paix universelle entre les hommes.
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Il aurait pu s'arrêter de sculpter à vingt-neuf ans, après avoir donné au monde les chefs d'oeuvre de la Pietà et du David. Protégé de Laurent de Médicis, le prodige florentin allait être choisi par cinq papes successifs pour transfigurer Rome, de la chapelle Sixtine à la basilique Saint-Pierre. A l'occasion de la splendide exposition Corps et âme sur la sculpture italienne de la Renaissance au musée du Louvre, Le Figaro Hors-Série célèbre le génie tourmenté de Michel-Ange.
Découvrez le récit de neuf journées de sa vie, entre les guerres de clans et les luttes d'influence ; l'analyse de son oeuvre de titan, comme dessinateur, sculpteur, peintre, architecte, poète ; le décryptage des films qui lui sont consacrés. Michel-Ange corps et âme, magnifiquement illustré. -
Comprendre l'art des églises : Décoder l'architecture chrétienne et ses décors
Denis r. Mcnamara
- Larousse
- 18 Octobre 2023
- 9782036054677
Décoder l'architecture chrétienne et ses décors.
Destiné aux amateurs éclairés comme aux néophytes, ce manuel dévoile le développement de l'architecture des églises depuis les premiers chrétiens jusqu'au néomodernisme du XXIe siècle.
Vous y trouverez :-une analyse de tous les types d'architectures chrétiennes : églises, basiliques, cathédrales, chapelles, monastères, abbayes,-une grammaire des styles pour mieux décoder un édifice,-la manière de repérer les indices (plan, matériaux, ornements...) et les traces de remaniements afin de situer les édifices dans leur contexte historique,-une compréhension de ce que les bâtisseurs ont voulu exprimer.Avec plus de 600 splendides illustrations, pour la plupart tirées de sources anciennes, qui constituent une véritable bibliothèque visuelle. -
Les impressionnistes et le Japon : l'art entre Orient et Occident, histoire d'un engouement
Francesco Morena
- Place des Victoires
- 26 Octobre 2023
- 9782809920208
Le Japon est loin. Parce que ce n'est pas une terre de passage. Les Occidentaux, avec Alexandre le Grand, sont arrivés en Inde au IVe siècle avant J.-C., Marco Polo s'est rendu en Chine à la fin du XIIIe siècle, les Portugais ne sont arrivés au Japon qu'au milieu du XVIe siècle ; au milieu du XVIIe siècle, les Japonais avaient déjà fermé leurs frontières, pour ne les rouvrir qu'en 1853, grâce à l'intervention des États-Unis.
Le flot de précieux objets japonais (porcelaine, textiles, peintures, objets, estampes) n'a jamais cessé d'arriver en Europe. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, ce sont les impressionnistes - Monet et Manet surtout, mais aussi Whistler, Gauguin, Van Gogh, Toulouse Lautrec - qui sont envoûtés par la simplicité et la lisibilité de l'art japonais. Une forme de poésie visuelle faite de très peu d'ingrédients. Une tendance, trait caractéristique d'un style qui fait du goût japonais l'un des modèles, tant pour de nombreux artistes que pour les architectes, les designers, les stylistes, les publicitaires, les photographes, les illustrateurs et même les cuisiniers tout au long du XXe siècle et jusqu'à nos jours. Les mangas, par exemple.
Ce livre est consacré à ce phénomène amoureux, nous accompagnant, des premiers signes d'une relation en construction à l'explosion de l'impressionnisme - auquel la majeure partie du livre est consacrée - mais aussi aux avant-gardes du XXe siècle, au Bauhaus, jusqu'aux mangas. -
Histoires extraordinaires de l'art à l'hôtel Drouot : de Vermeer à Louise Bourgeois
Judith Benhamou-Huet
- Flammarion
- 18 Octobre 2023
- 9782080428080
On oublie souvent qu'au XIX? siècle et jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, Paris était l'épicentre planétaire de la vie artistique. Le coeur battant du négoce de tableaux se situait alors à l'hôtel Drouot et dans ses diverses annexes, à la fois caverne d'Ali Baba de la création ancienne et moderne et lieu de brassage social hors du commun. On y vendait de la peinture contemporaine, des Degas, des Picasso et autres Picabia. On y tirait des maîtres anciens de l'oubli, comme ce fut le cas pour Vermeer. On y croisait dans un brassage turbulent, non seulement des visionnaires de l'art, mais aussi des filles à marier, des demi-mondaines ou des petits marchands. On y manipulait sans vergogne les cotations, nouant ainsi le destin de maîtres qui appartiennent aujourd'hui à la postérité. À travers dix récits extraordinaires, Judith Benhamou dévoile des pans méconnus de l'art et du marché de l'art. Nombreux sont les grands personnages dont la trajectoire est passée par Drouot : d'Antoine van Dyck à Louise Bourgeois, d'Eugène Delacroix à Vincent van Gogh, de Paul Éluard à Marcel Duchamp, cet ouvrage propose un voyage sans tabous au pays des petites histoires de la grande histoire de l'art, illustré de chefs-d'oeuvre qui ont un jour été proposés à l'encan dans les salles rouges de l'hôtel des ventes.
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L'histoire de l'art peut se diviser en grands mouvements majeurs, liés à l'histoire des civilisations et les grands évènements historiques, culturels, politiques et internationaux.
De Rembrandt à Picasso, aucun artiste, aucune oeuvre ne saurait se comprendre sans l'influence du contexte qui l'a vu naître. C'est ainsi que cet ouvrage extrêmement illustré décrypte chaque grand mouvement et chaque oeuvre, la replaçant dans le contexte historique et culturel qui a permis sa réalisation et lui donne son sens. -
Contrairement à une idée reçue, le blanc est une couleur à part entière, au même titre que le rouge, le bleu, le vert ou le jaune. Le livre de Michel Pastoureau retrace sa longue histoire en Europe, de l'Antiquité la plus reculée jusqu'aux sociétés contemporaines. Il s'intéresse à tous ses aspects, du lexique aux symboles, en passant par la culture matérielle, les pratiques sociales, les savoirs scientifiques, les morales religieuses, la création artistique.
Avant le XVIIe siècle, jamais le blanc ne s'est vu contester son statut de véritable couleur. Bien au contraire, de l'Antiquité jusqu'au coeur du Moyen Âge, il a constitué avec le rouge et le noir une triade chromatique jouant un rôle de premier plan dans la vie quotidienne et dans le monde des représentations. De même, pendant des siècles, il n'y a jamais eu, dans quelque langue que ce soit, synonymie entre « blanc » et « incolore » : jamais blanc n'a signifié « sans couleur ». Et même, les langues européennes ont longtemps usé de plusieurs mots pour exprimer les différentes nuances du blanc. Celui-ci n'a du reste pas toujours été pensé comme un contraire du noir : dans l'Antiquité classique et tout au long du Moyen Âge, le vrai contraire du blanc était le rouge. D'où la très grande richesse symbolique du blanc, bien plus positive que négative : pureté, virginité, innocence, sagesse, paix, beauté, propreté.
Accompagné d'une abondante iconographie, cet ouvrage est le sixième d'une série consacrée à l'histoire sociale et culturelle des couleurs en Europe. -
Jamais artiste n'a été associé comme Auguste Renoir au bonheur de vivre, à l'insouciance et à la volupté.Figure incontournable de l'impressionnisme, créateur de près de quatre mille toiles, il n'a cessé, tout au long de sa carrière, de se réinventer, depuis ses débuts aux côtés de Monet, puis lors de sa période dite « ingresque » et de sa période « nacrée », marquée par la délicatesse de la touche et la sensualité des coloris et des formes.
Du Bal du Moulin de la Galette au Déjeuner des canotiers, des Grandes Baigneuses aux portraits intimistes d'enfants, des natures mortes aux nus et aux paysages de Méditerranée, Renoir a peint sans relâche, jusqu'à son dernier souffle.
La forme originale de ce coffret permet d'observer au plus près la matière et la couleur : accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction et des commentaires d'oeuvres, cet ouvrage « en accordéon », tout en images, déploie plus d'une soixantaine de tableaux de ce peintre à la fois inventif et classique. -
Peintre de la vie moderne, très proche des impressionnistes dont il fut un généreux mécène, Gustave Caillebotte est un artiste singulier aux multiples facettes, un poète du Paris de Haussmann, un passionné de bateaux et d'horticulture, capable de tout peindre. Des scènes de villégiature à Yerres aux baignades au bord de l'eau, de la Seine entraperçue à travers la structure métallique d'un pont au luxuriant jardin du Petit-Gennevilliers, Caillebotte n'a cessé de s'inspirer des sujets de son temps, ouvrant la voie à une peinture nouvelle, dans un style réaliste proche de la photographie, grâce à une utilisation savante de la perspective et du cadrage immersif. Une peinture puissante et précise, résolument tournée vers la modernité.
La forme originale de ce coffret permet de s'immerger au coeur des passions du peintre, de saisir les cadrages audacieux de ses tableaux : accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction générale et des commentaires d'oeuvres, ce livre « en accordéon », tout en images, déploie près d'une soixantaine de tableaux dont les gros plans magnifient la puissance picturale de l'artiste. -
Du moyen âge à nos jours, les fleurs ont été une source inégalée d'inspiration pour les peintres, un sujet récurrent dans l'histoire de l'art.
Éblouissantes natures mortes florales des peintres hollandais, pivoines épanouies de Renoir, tournesols éclatants de Van Gogh, nymphéas aux variations infinies de Monet : chacune de ces fleurs offre aux peintres un motif idéal pour s'exercer à la couleur, capter la lumière et retranscrire la matière. Et avec Klimt ou Georgia O'Keeffe, les fleurs envahissent la surface de la toile de leurs couleurs ardentes, elles sont le sujet par excellence d'une peinture qui laisse s'exprimer les émotions, la modernité du regard.
La forme originale de ce coffret permet de s'approcher au plus près des fleurs et d'en percevoir toute la grâce, la richesse des couleurs et des formes : accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction générale et des commentaires détaillés, il contient un livre « en accordéon » tout en images, qui déploie près d'une cinquantaine d'oeuvres dont les gros plans magnifient la puissance picturale des fleurs. -
Avec une production de plus de 30 000 dessins et peintures, Hokusaï (1760 - 1849) a été l'artiste le plus prolifique, le plus varié et sans conteste le plus créateur de l'ancien Japon. Génie universel pour tout ce qui était dessin et peinture en son temps, il a pratiqué tous les genres de l'ukiyo-e, les « images du monde flottant » comme se plaisaient à dire ses contemporains pour parler de leurs plaisirs et de leur quotidien.
L'ouvrage retrace la carrière de cet enfant d'un district populaire de l'ancien Tokyo qui s'appelait alors Edo, et l'atmosphère si particulière de cette grande ville et de la vie japonaise quand le Japon, fermé aux étrangers, développait en vase clos une culture puissamment originale.
Devenu l'un des grands maîtres de l'estampe, le « fou de dessin » comme il s'appelait lui-même, a été redécouvert par les impressionnistes et par les esthètes de la fin du XIXe siècle. Il est resté depuis l'une des plus grandes et, par sa personnalité, l'une des plus attachantes figures de l'art universel.
Cette édition luxueuse très grand format offre une restitution exceptionnelle par sa qualité des oeuvres emblématiques de Hokusai mais aussi des chefs d'oeuvres moins connus, notamment les luxueux surimonos créés pour les collectionneurs les plus exigeants. Le texte, signé par Henri-Alexis Baatsch, est une véritable plongée dans le Japon du temps de l'artiste, qui a à coeur d'en restituer l'atmosphère et les mystères.
L'ouvrage est doté d'une couverture rigide au toucher soie, nouée par un ruban bleu nuit et d'une reliure originale permettant une large ouverture des pages. Le papier doublé, enfin, est un véritable clin d'oeil aux carnets d'estampes japonaise. -
L'automne par les grands maîtres de l'estampe japonaise
Anne Sefrioui
- Hazan
- 20 Septembre 2023
- 9782754113052
Véritable célébration de l'automne, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie dans un format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe.
Si les Japonais entretiennent une relation intense avec la nature et les saisons, l'automne est une des plus spectaculaires et des plus importantes, tant par sa symbolique que par sa force spirituelle.
De Hokusai à Hiroshige en passant par Harunobu ou Hasui, chacune de ces estampes révèle la virtuosité des artistes à transcrire le jeu infini des camaïeux, mais aussi l'expression sensible d'une poésie de l'éphémère. Forêts rougeoyantes, lacs bordés d'érables flamboyants, parcs illuminés de ginkgos, jardins zen fleuris de chrysanthèmes luxuriants: chaque estampe devient une source de contemplation et un hommage à la beauté de la nature. -
Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.
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Hiroshige en 500 estampes
Jim Dwinger, John Carpenter, Andreas Marks, Rhiannon Paget, Shiho Sasaki
- Éditions de la Martinière
- 3 Novembre 2023
- 9791040116455
Le livre de référence sur la vie et l'oeuvre du grand maître japonais Hiroshige.
Une approche exhaustive de tout son répertoire iconographique en 500 pièces issues de la collection Alan Medaugh.
Grand maître de l'estampe japonaise, auteur des célèbres Cent vues d'Edo, Utagawa Hiroshige (1797-1858) a laissé un oeuvre immense. Sont ici réunies 500 estampes de la collection Alan Medaugh - la plus importante collection privée dédiée à l'artiste en dehors du Japon - présentant ses paysages, ses kacho-ga (peintures d'oiseaux et de fleurs), ses portraits de femmes ou encore ses éventails... Les auteurs - conservateurs de musée et spécialistes du Japon - retracent sa vie et éclairent son processus créatif, de ses premiers dessins à ses pièces les plus matures. Un livre somme pour tous les amateurs d'art japonais.
Jim Dwinger est conservateur au Japan Museum SieboldHuis (Leyde) ; il est le coauteur de Shin hanga : Les estampes modernes du Japon 1900-1960 (Hazan, 2022). Il a rassemblé l'ensemble des estampes de ce catalogue. John T. Carpenter est conservateur au Metropolitan Museum of Art (New York), et son domaine d'étude porte sur la poésie traditionnelle japonaise, en particulier celle de l'époque Edo. Andreas Marks est conservateur au Minneapolis Institute of Art et spécialiste du mouvement artistique Ukiyo-e. Rhiannon Paget est conservatrice au département des arts asiatiques du musée d'art John-et-Mable-Ringling de Sarasota en Floride ; elle est l'auteure de Hokusai : 1760-1849 (Taschen, 2018). Shiho Sasaki est conservatrice au musée d'arts asiatiques de San Francisco ; elle s'intéresse à l'étude des pigments dans les estampes japonaises. -
Ce nouveau volume des Haïkus propose de renouer avec la tradition du poème court japonais à travers une sélection de 60 haïkus exclusivement consacrés aux fleurs. Illustré par une iconographie riche et colorée, ce recueil célèbre avec justesse et simplicité la beauté de la nature et nous invite, plus que jamais, à faire une pause pour contempler l'évanescence d'un monde, que nous devons absolument préserver.
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Berthe Morisot et l'art du XVIIIe siècle
Marianne Mathieu, Dominique d' Arnoult, Claire Gooden, Lois Oliver
- Hazan
- 18 Octobre 2023
- 9782754113335
Peintre, pastelliste et aquarelliste virtuose, Berthe Morisot (1841-1845) est aussi l'une des cofondatrices de l'impressionnisme. Au sein du groupe impressionniste, elle a immédiatement été reconnue comme une artistes des plus remarquables qui suscite l'admiration et le respect de ses pairs, Claude Monet, Edgar Degas et Pierre Auguste Renoir.
Demeurée dans l'ombre de ses collègues masculins jusqu'à un passé récent, Morisot est dorénavant considérée comme une personnalité incontournable de la nouvelle peinture de la seconde moitié du XIXe siècle et de l'impressionnisme en particulier.
Depuis 1880, son art est notamment associé à l'élégance et la grâce du XVIIIe siècle, à la peinture de François Boucher et de Jean-Honoré Fragonnard, aux pastels de Jean-Baptiste Perronneau et de Maurice Quentin Delatour.
Cet ouvrage constitue la première étude approfondie dédiée à ce thème. Apportant nombre d'informations inédites, il contribue à enrichir notre approche et notre compréhension de Berthe Morisot. Au-delà des comparaisons de façade, le lien fondamental mais subtil qui unit la première femme impressionniste à la peinture du siècle de Louis XV est détaillé et abondamment illustré. Ce lien s'impose comme l'une des principales singularité de qson art, la clé d'une oeuvre qui laisse percevoir une pointe de XVIIIe siècle exaltée de présent. -
Alberto Giacometti (1901-1966), artiste emblématique du XXe siècle, fréquente, dans le contexte de l'après-guerre et jusqu'à la fin de sa vie, différents cercles artistiques, des photographes, des écrivains et des philosophes, échangeant avec toute une nouvelle génération d'intellectuels, du surréalisme finissant à l'engagement existentialiste naissant. Ouvert sur son époque, sociable, actif et créatif dans la diffusion de son oeuvre, il est ainsi regardé par ses contemporains et admiré pour sa sculpture et sa peinture, d'une figuration expressive, qui semblent rendre compte d'un monde meurtri, en reconstruction mais aussi en plein questionnement.
Mêlant sculptures, peintures, gravures, photographies et documents d'archives, cet ouvrage invite à une plongée dans ces années essentielles pour la compréhension des mutations artistiques et intellectuelles de l'après-guerre. Giacometti y apparaît comme un homme pleinement de son temps. -
Scandinavie : un voyage magnétique
Alessandra Ballotti, Frédérique Toudoire-Surlapierre
- Éditions de la Martinière
- 10 Novembre 2023
- 9791040115687
Une promenade poétique à la découverte des arts et de l'âme des pays nordiques, à travers une iconographie choisie mêlant époques et médiums (littérature, peinture, photographie, arts décoratifs...).
Prendre la direction du Nord, vers la Scandinavie, c'est appréhender la puissance de ses immensités glacées, c'est apprécier la beauté à couper le souffle de ses paysages, de ses forêts, de ses fjords, de ses archipels. C'est aussi se laisser porter par un art de vivre unique, en communion avec la nature, et un imaginaire foisonnant peuplé d'animaux étranges, de personnages féeriques et folkloriques. Convoquant des artistes de toute époque, ce livre invite à une traversée sensorielle et magnétique dans les images et les couleurs qui composent ces pays du Nord. Extraits littéraires, peintures à l'huile, photographies, aquarelles, installations artistiques se répondent dans un dialogue qui mêle passé et présent, naturel et poétique, visible et surnaturel.
Alessandra Ballotti et Frédérique Toudoire-Surlapierre enseignent la littérature et la culture scandinaves à Sorbonne Université. Elles analysent d'un point de vue comparatiste les différentes aires du domaine nordique.
