Thames And Hudson

  • A la recherche du temps perdu est l'un des romans les plus profondément visuels de la littérature occidentale.
    Le texte de Marcel Proust abonde en références picturales : le personnage d'Elstir est directement inspiré des peintres James whistler et Paul Helleu ; l'apparence de Boch enfant a de nombreux points communs avec le portrait du sultan Mehmet II par Gentile Bellini ; Odette de Crécy frappe Swann par sa ressemblance avec une figure peinte à fresque par Botticelli. D'un personnage secondaire, une certaine Mme Blatin, proust va même jusqu'à écrire que " c'est exactement le portrait de Savonarole par Fra Bartolomeo ".
    De même que le jeune narrateur, à bord d'un train le menant à Balbec, ne cesse de "courir d'une fenêtre à l'autre (. ) pour rentoiler les fragments (de son) beau matin écarlate et versatile et en avoir une vue totale et un tableau continu ", l'auteur du présent ouvrage tente de réunir dans un même volume les tableaux fugitivement évoqués et imbriqués dans la trame de ce roman émouvant, afin d'offrir pour la première fois au lecteur " une vue totale et un tableau continu ".
    Toutes les oeuvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de la recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse. Le musée imaginaire de Marcel Proust est une référence incontournable pour tous les passionnés de Proust ainsi que pour tous ceux qui souhaiteraient aborder pour la première fois ce chef-d'oeuvre de la littérature française.

  • Toutes les oeuvres créées par David Hockney ont une unique vocation : dire ce que cela signifie d'être dans le monde, de le voir, de s'y déplacer et de l'aimer. Pour ce célèbre peintre contemporain, les images constituent le véhicule idéal pour communiquer de tels sentiments, et il a consacré sa vie entière à l'exploration de moyens d'expression toujours plus convaincants.
    Afin de rendre compte de cette expérimentation constante, le présent ouvrage propose plus de 300 oeuvres sélectionnées par Hockney lui-même qu'accompagnent de nombreuses citations de l'artiste.
    Divisé en quatre chapitres, ce livre analyse l'oeuvre singulière de Hockney en abordant tout d'abord la problématique de la représentation sur une image fixe d'un monde en perpétuel mouvement, puis la nature autobiographique de l'oeuvre et l'importance particulière des portraits de membres de sa famille, d'amis ou d'intimes et, enfin, la quête de l'espace et de la lumière, deux préoccupations qui revêtent une importance majeure pour Hockney.

  • Incarné notamment par picasso et braque, le cubisme qui s'épanouit en france entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du xxe siècle.
    Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien. le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la france au début du xxe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme.
    Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

  • Lorsque, au milieu des années 1990, l'utilisation d'internet en tant que réseau mondial de communication de masse se généralisa, les artistes perçurent immédiatement son immense potentiel d'innovation créative.
    Cet ouvrage présente la grande diversité des formes que peut prendre l'art internet et examine les outils utilisés pour sa création tout en s'attachant à décrire le contexte culturel et l'importance historique des oeuvres. e-mail art, software art, sites web et autres projets qui brouillent les frontières entre l'art et des domaines tels que le design, le développement produits, l'activisme politique et la communication sont tour à tour analysés par l'auteur.
    L'art internet est l'un des tout premiers ouvrages à décrire comment les artistes ont utilisé les technologies en ligne pour créer des oeuvres d'un genre nouveau, capables de dialoguer à la fois avec l'histoire de l'art et des disciplines habituellement considérées comme extérieures à la sphère artistique. tout au long de cette étude abondamment illustrée, l'auteur cite les propos d'artistes, de conservateurs et de critiques qui tous nous offrent une perspective nouvelle et riche sur le sujet.
    Un glossaire et une chronologie aident le lecteur à identifier rapidement les oeuvres, événements et développements technologiques majeurs grâce auxquels l'art est véritablement entré dans le xxie siècle.

  • Après les ouvrages consacrés à la sculpture grecque des périodes archaïque et classique, john boardman s'attache dans le présent volume à l'étude du second classicisme, période allant du ive siècle avant j.
    -c. au règne d'alexandre le grand. l'auteur examine les innovations propres à cette époque, notamment le nu féminin et le portrait, décrit avec minutie de nombreux monuments majeurs, dont le célèbre mausolée d'halicarnasse, et analyse les oeuvres de très grands artistes comme praxitèle ou lysippe, dont l'influence sur les générations suivantes fut immense. ce volume présente également la sculpture grecque des colonies d'italie et de sicile et les oeuvres destinées aux souverains non grecs d'orient.
    Enfin, le dernier chapitre insiste sur le rôle essentiel de la sculpture grecque dans le développement du goût occidental jusqu'à nos jours.

  • Mûrement réfléchi ou purement improvisé, géométrique ou lyrique, monochrome ou saturé de couleurs, l'art abstrait n'a cessé, depuis le début du siècle, d'étonner, de scandaliser, de fasciner.
    Toujours attentive au contexte historique et culturel, anna moszynska retrace la genèse de l'abstraction et s'attache à décrire les multiples évolutions de cette esthétique du jeu des formes, des couleurs, du mouvement et de la texture. en partant de la déconstruction de la figure opérée dans les années 1910 par les cubistes et, à la même époque, des travaux précurseurs de kandinsky, malevitch ou mondrian, l'auteur analyse les contributions des constructivistes russes, du groupe de stijl et des artistes du bauhaus, avant de considérer les origines de l'expressionnisme abstrait américain.
    Les oeuvres d'artistes " post-painterly ", op, cinétiques et minimalistes font l'objet d'un dernier chapitre dont la conclusion est consacrée au neo-geo, mouvement qui s'opposa à la réémergence, dans les années 1980, de l'art figuratif critique d'art, anna moszynska enseigne l'art contemporain au sothebys institute de londres et a occupé les fonctions de coordînatrice d'exposition pour le arts council of great britain.

  • Si les histoires de l'art du xxe siècle tendent pour la plupart à minimiser la présence aussi persistante que puissante de la peinture réaliste, le présent ouvrage première étude critique détaillée jamais publiée sur le sujet - montre à quel point le réalisme a marqué la peinture du xxe siècle.
    La signification du mot réalisme est multiple, notamment parce qu'il reflète l'extrême diversité des pratiques artistiques de ce siècle. l'étude de brendan prendeville permet au lecteur d'identifier ainsi les caractères propres au réalisme dans des contextes historiques, politiques et artistiques pourtant très divers. il analyse les principales catégories de peintures auxquelles le terme fut appliqué - réalisme social et hyperréalisme en particulier -, tout en gardant à l'esprit qu'une classification trop tranchée risquerait d'amener à sous-estimer l'empreinte plus profonde que le réalisme a laissé dans la peinture du xxe siècle.
    De eakins, bellows et hopper à vuillard, bonnard, balthus et morandi, de schiele à lucian freud en passant par david hockney, l'auteur dresse un panorama lumineux de la peinture au xxe siècle et montre comment l'influence du modernisme, tout comme les conflits politiques et l'émergence des nouveaux médias, ont pu modifier et renouveler la tradition occidentale du réalisme pictural.

  • « Les nouvelles technologies, la vidéo, le numérique attestent de la profonde mutation dans l'art contemporain de la fin des années 80. Cet ouvrage est un excellent cours de rattrapage pour amateur distrait ou débordé. » Art Press « Ce livre commente de manière très claire l'avènement de l'image numérique. » L'oeil « Ouvrage extrêmement documenté, richement illustré, avec un texte pédagogique ni scolaire ni abscons. Une vraie réussite. » Max « Première étude consacrée à ce nouveau champ artistique, cet ouvrage s'organise autour de quatre grands domaines médiatiques : l'art vidéo, les installations vidéo, les performances et l'art numérique. » Artension

  • Qu'il s'agisse de l'art minimaliste, conceptuel, de l'arte povera, de l'influence de joseph beuys, du néo-expressionnisme, du néo-conceptualisme ou du post-modernisme, aucun courant récent n'est absent du panorama de l'histoire de l'art de la seconde moitié du xxe siècle que dresse edward lucie-smith.
    Aux mouvements connus, il ajoute des oeuvres importantes et singulières, jusque-là considérées comme " périphériques " : celles, entre autres, des artistes afro-américains, ainsi que des mouvements régionaux aux etats-unis. de même sont présentées et analysées les nouvelles tendances de l'art latino-américain, russe, japonais, chinois, coréen, africain, caraïbe et aborigène. une bibliographie exhaustive ainsi qu'une chronologie raisonnée des mouvements clés de 1940 à nos jours achèvent de faire de ce livre le guide complet des questions, concepts et protagonistes de l'art de ces cinquante dernières années.

  • Le mouvement arts & crafts exerça une influence prépondérante sur les arts décoratifs britanniques, américains et européens de la fin du xixe siècle, dans des domaines aussi divers que l'architecture, le mobilier, la céramique, la ferronnerie, le textile ou l'édition.
    Si ce mouvement regroupa diverses formes d'expression, les principaux architectes, artistes et artisans qui l'animèrent - tels que william morris et edwyn lutyens en grande-bretagne, frank lloyd wright et gustav stickley aux etats-unis, josef hoffmann en autriche et eliel saarinen en finlande - se firent tous les défenseurs d'une conception profondément morale de la création et de l'emploi de matériaux naturels en réaction au développement de l'ère industrielle.
    Leurs oeuvres, tant dans le domaine architectural que décoratif, ont participé à la définition actuelle du " design ".

  • Ce livre est une déambulation photographique dans le Paris des boutiques et magasins aux vitrines et décors étonnants, poétiques et décalés.
    Perec disait qu'il fallait « interroger l'habituel même si nous y sommes habitués » : c'est ce que font ces images dans leur quête poétique de l'ordinaire, de l'infraordinaire.
    Ces lieux existent. Les cartes de visite en vis-à-vis en attestent. Ils sont là, au coin de la rue, mais notre regard a cessé de les voir, ne sachant plus s'arrêter sur les choses simples, émouvantes, parfois drôles, mais toujours riches de notre quotidien urbain. Valérie Weill et Philippe Chancel ont su garder cette capacité à voir et ils nous donnent en partage, grâce à cet ouvrage, leur regard un regard toujours généreux, curieux et pertinent.
    Que voit-on ? Que révèle ce regard ? Des juxtapositions incongrues, des accumulations improbables, des agencements graphiques, des décorations étranges, des univers privés pourtant hautement publics, des lieux d'une vie entière destinés à disparaître avec leur propriétaire.
    Que nous racontent ces décors et vitrines ? Une multitude de récits possibles. Ces images en disent long sur les propriétaires des lieux, mais elles nous racontent aussi ce que nous projetons sur elles. Chacun peut y glisser son
    histoire, une histoire. Quelle fut donc la réaction du cordonnier lorsqu'un client est venu lui déposer des bottes en caoutchouc ? On les aperçoit, tout en haut, discrètement perchées sur une étagère. Leur propriétaire les a-t-il oubliées, se doutant de l'impossibilité de la tâche ? On voit bien là qu'à partir d'une seule image et d'un seul détail peuvent naître toutes sortes de récits, des interrogations certes futiles mais qui font ces petits moments de bonheur où l'on sourit des incongruités du genre humain.
    Ce livre s'adresse aux amoureux de Paris, aux touristes qui veulent en garder un souvenir authentique, aux amateurs de photographie ainsi qu'aux passionnés d'art contemporain qui ne manqueront pas d'y voir autant d'installations trouvées.
    Livre tendance, livre cadeau, livre témoignage, livre d'artiste, Souvenirs de Paris sera un incontournable de la rentrée et des fêtes de fin d'année.

  • La performance a joué un rôle fondamental dans l'histoire de l'art du XXe siècle et connaît, en ce début de XXIe siècle, un essor remarquable. Cette nouvelle édition mise à jour de l'ouvrage pionnier de RoseLee Goldberg rend compte des changements d'ordre technologique, politique et esthétique intervenus dans l'art de la performance ces dernières années ainsi que de l'augmentation impressionnante du nombre d'oeuvres produites dans ce domaine et de lieux qui lui sont consacrés dans le monde. Les oeuvres de Marina Abramovic, Francis Alÿs, Maurizio Cattelan, Paul McCarthy, Pierre Huygue, Matthew Barney, Patty Chang ou encore Allora et Calzadilla sont examinées en regard de celles des premiers praticiens du genre - futuristes, constructivistes, dadaïstes, surréalistes, artistes du Bauhaus - et de grands noms comme Yves Klein, Piero Manzoni, John Cage, Merce Cunningham, Gilbert & George, Dan Graham, Laurie Anderson, Robert Wilson, Pina Bausch ou Alain Platel.
    Moyen depuis toujours pour les artistes de briser les catégories consacrées, d'ouvrir de nouvelles voies et de marquer leur " différence ", la performance est l'une des formes artistiques majeures de notre époque.

  • Depuis un siècle, le groupe Condé Nast, éditeur notamment des magazines Vogue et Glamour, joue un rôle déterminant dans le domaine de la photographie de mode grâce au talent de découvreur de ses rédacteurs en chef et directeurs artistiques qui ont su lancer de jeunes photographes parfaitement en adéquation avec leur époque, capables de saisir l'air du temps, de l'incarner et de le sublimer. Les personnalités exceptionnelles qui ont façonné ces journaux, tels Edna Woolman Chase, Diana Vreeland ou Alexander Liberman, ont ainsi donné leur première chance aux plus grands noms de la photographie de mode - Horst P. Horst, Erwin Blumenfeld, David Bailey, Guy Bourdin, Corinne Day, Deborah Turbeville ou encore Sølve Sundsbø, pour n'en citer que quelques-uns.
    /> En nous donnant à voir ces images emblématiques qui ont jalonné l'histoire de la mode et de sa représentation depuis les premiers clichés de mode de l'immense Edward Steichen en 1911 jusqu'à ceux de Mario Testino, Bruce Weber, Tim Walker ou Michael Baumgarten en passant par Cecil Beaton, Irving Penn et Helmut Newton, cet ouvrage jette une lumière nouvelle sur un art photographique qui n'a eu de cesse d'innover. L'historienne de la photographie Nathalie Herschdorfer a bénéficié d'un accès inédit aux archives Condé Nast à New York, Paris et Milan et présente dans cet ouvrage une sélection de clichés originaux ainsi que les pages des magazines dans lesquels ils ont été publiés. Elle nous donne ainsi l'opportunité exceptionnelle de redécouvrir le travail de plus de 80 photographes à l'orée de leur carrière. Le livre comporte également des essais d'Olivier Saillard, directeur du Musée Galliera à Paris, et de Sylvie Lécallier, responsable des collections photographiques de ce même musée, ainsi qu'un entretien exclusif avec Franca Sozzani, rédactrice en chef de Vogue Italia.

  • Les technologies numériques ont révolutionné la production et la réception de l'art.
    Non seulement les moyens d'expression traditionnels que sont la gravure, la peinture, la sculpture ou la photographie ont été profondément transformés par l'avènement du numérique mais d'autres formes radicalement nouvelles ont également vu le jour ; c'est le cas du net art, du software art, des installations numériques ou encore des manipulations de la réalité virtuelle, autant de pratiques désormais reconnues et soutenues par les plus grands musées, institutions et collectionneurs privés du monde entier.
    Dans cet ouvrage, christiane paul s'attache à décrire l'évolution de l'art numérique depuis son apparition dans les années 1980 et propose des pistes quant à son avenir. elle distingue les artistes qui utilisent le numérique comme outil pour créer des formes traditionnelles de ceux qui l'envisagent comme un médium à part entière, qu'ils manipulent pour produire des formes d'art inédites ; elle dresse, ce faisant, un panorama pertinent des oeuvres et des artistes clés du numérique.
    Les problématiques passionnantes de la collection, de la présentation et de la conservation des oeuvres numériques sont analysées, tout comme les thèmes propres à l'art numérique : l'interaction, la vie et l'intelligence artificielles, le militantisme social et politique, les réseaux et la téléprésence.

  • artisanats du monde Bryan et Polly Sentance Traduit de l'anglais par Lydie
    Echasseriau Parution : 1er avril 2010 Ce livre de référence sur l'artisanat
    mondial est une source de renseignements indispensable pour tous ceux -
    amateurs, étudiants, collectionneurs, voyageurs - qui s'intéressent à l'art, à
    l'artisanat et aux objets décoratifs, ainsi qu'à tout ce qui fait le sel de la
    culture humaine : sa diversité. Le tissage berbère, les pendentifs
    talismaniques nord-africains, les tapis-tigres tibétains, l'origami japonais,
    les hameçons maori, les calebasses gravées d'Amérique du Sud, la poterie
    amazonienne, les oeufs peints de Hongrie, les perles de verre de Venise, les
    mâts totémiques du Pacifique, les boîtes des Shakers... La diversité des objets
    artisanaux présentés dans cet ouvrage est véritablement impressionnante. Ce
    livre est en effet le premier à passer en revue, à l'échelle mon-diale, un si
    grand nombre de pratiques artisanales. La description et l'histoire des
    techniques utilisées - du tissage sur un métier de ceinture au découpage du
    papier en passant par la fonte des métaux ou la sculpture sur bois - et les
    illustrations qui les accompagnent mettent en lumière l'incroyable diversité
    des styles et l'originalité des différentes traditions. Qu'ils soient anciens
    ou contemporains, les objets présentés au fil des pages sont tous le fruit de
    méthodes de fabrication traditionnelles. Cet ouvrage s'organise en 6 chapitres,
    chacun consacré à une zone géographique précise : - l'Amérique du Nord -
    l'Amérique latine - l'Europe - l'Afrique - l'Asie - l'Océanie. Abondamment
    illustré et accompagné d'une liste des musées et collections spécialisés dans
    l'art populaire et l'artisanat, ce livre rend hommage aux traditions et aux
    savoir-faire du monde entier. Il montre comment, partout dans le monde, malgré
    l'accélération du phénomène de la mondialisation, ces traditions restent
    paradoxalement bien vivantes. Bryan et Polly sentance ont passé de nombreuses
    années à collectionner et étudier les objets artisanaux à travers le monde
    entier. Bryan Sentance est artiste, illustrateur et enseignant en art et
    artisanat. Il est l'auteur, entre autres, des ouvrages suivants : Le Bois :
    l'artisanat du bois dans le monde (La Martinière, 2003) ; La Vannerie :
    techniques et traditions à travers le monde (Flammarion, 2001) ; et Textiles :
    le tour du monde illustré des techniques traditionnelles, en collaboration avec
    John Gillow (Alternatives, 2000). Polly Sentance s'intéresse depuis toujours à
    l'artisanat ethnique et a participé en tant que chercheuse et photographe à
    l'élaboration de plusieurs livres sur l'artisanat. Volume relié 24 x 28 cm -
    240 pages 480 illustrations dont 475 en couleurs ISBN : 978-2-87811-346-4 38 ?

  • La diffusion du bouddhisme en occident et la personnalité du dalaï-lama, chef spirituel en exil d'un peuple opprimé, participent à la popularité sans cesse croissante du tibet.
    L'art de cette mystérieuse région se distingue de celui des autres pays bouddhistes et asiatiques et c'est à l'analyse de ses signes particuliers ainsi qu'à l'étude des liens complexes entre l'art et la dimension spirituelle que se consacre l'auteur. cet ouvrage retrace non seulement l'histoire artistique du tibet mais également son histoire culturelle, de la fondation du royaume à nos jours. une bibliographie, un glossaire ainsi que des cartes et des tableaux accompagnent cette étude richement illustrée et en font un outil précieux de compréhension de la peinture, de la sculpture et de l'architecture tibétaines.

  • Accessoire incontournable, le foulard occupe dès le début du XXe siècle une place essentielle dans la garde-robe de la femme moderne. Après avoir été, au milieu du siècle dernier, une icône du style, il revient aujourd'hui en force, un regain d'intérêt qui n'est pas sans lien avec l'engouement pour la mode vintage. Si l'histoire du foulard fascine c'est qu'elle est révélatrice des changements intervenus de décennie en décennie dans la mode et le style de vie. De l'Art déco à l'éclectisme actuel en passant par l'élégance hollywoodienne des années 1950 et le style pop et graphique des Swinging Sixties, les foulards n'ont en effet cessé d'exprimer les styles en vogue et de se faire l'écho des mouvements artistiques majeurs. Cet ouvrage présente plus de 250 créations dues à des artistes, des créateurs textiles et des grands noms de la mode tels que Paul Poiret et Raoul Dufy, Jacqmar, Vera, Elsa Schiaparelli, Mary Quant, Gucci, Hermès ou Georgina von Etzdorf. Il propose une analyse du rôle de cet accessoire dans un contexte d'histoire sociale, et plus particulièrement dans le domaine de la publicité et du tourisme. Riche source d'inspiration pour les créateurs et les amoureux de la mode, Foulards et carrés de soie constitue en outre un très précieux ouvrage de référence pour les collectionneurs. Il révèle de manière splendide la richesse créative d'un objet de mode qui n'est autre qu'un véritable médium artistique.

  • De watteau à david, de greuze à hogarth, de tiepolo à chardin, le xviiie siècle est l'époque de tous les contrastes et de tous les paradoxes.
    Une conception de l'homme s'y dissipe ; une autre s'y profile. " anciens idéaux, anciens régimes, anciens principes et anciennes formes d'art sont balayés - écrit michael levey - par la fumée de la bataille qui ne se dissipera qu'après waterloo. " introduction à l'étude d'une peinture qui va du frivole au cauchemar, affirme les puissances de la raison avant de constater ses limites, l'essai de michael levey dresse, d'une manière claire et précise, aussi élégante que le nécessite son sujet, le bilan d'une époque dont nous sommes directement tributaires et que ponctue, emblème brutal et flamboyant, concentrant toutes les tensions de la période, l'oeuvre de goya.

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